2025 싱가포르 디자인 위크 속 '디자인의 무형적 측면'을 강조하는 Emerge 전시

올해 싱가포르 디자인 위크에서 열린 Emerge 전시에서는 균사체로 만든 커피 테이블과 공기 주입식 램프를 비롯한 가구와 제품들이 소개됐다.올해로 4회를 맞이한 이번 전시는 인도네시아, 말레이시아, 싱가포르, 필리핀, 베트남 등 아시아 전역에서 온 70명 이상의 디자이너들의 작품을 선보였다.가장 큰 규모로 열린 이번 Emerge 전시는 처음으로 중국, 홍콩, 일본, 한국, 대만의 디자이너들도 포함했다.Emerge의 네 번째 전시는 2025 싱가포르 디자인 위크에서 열렸다.전시는 싱가포르 마리나 베이 샌즈 & 엑스포 컨벤션 센터에서 열린 FIND 디자인 박람회의 일환으로 마련되었으며, 100개가 넘는 오브제가 전시 공간을 채웠다.올해 주제인 '디자인을 통한 대화(Dialogue through Design)'에 맞춰, 전시는 디자인을 이야기의 언어이자 현대적 도전을 헤쳐 나가는 도구로 탐구하고자 했다.이 주제를 다루기 위해 많은 참가자들은 '사고를 자극하고, 연결을 촉진하며, 디자인의 가능성을 확장하는' 것을 목표로 한 지속가능한 디자인에 주목했다.행사에서는 균사체로 만든 커피 테이블이 전시됐다.이 주제를 다룬 디자이너 중 한 명은 싱가포르 기반 디자인 스튜디오 Bewilder의 창립자인 응스즈키앗(Ng Sze Kiat)으로, 그는 균사체를 기반으로 하고 유리 상판을 얹은 커피 테이블을 선보였다.유기적으로 재배된 이 테이블은 해당 스튜디오가 선보인 최신 균사체 작업으로, 스튜디오는 식용 버섯만을 활용해 이를 레스토랑에 판매하는 동시에 디자인 작업에도 사용하고 있다.응스즈키앗은 Dezeen과의 인터뷰에서 "우리는 식용 버섯을 재배한다. 그것이 우리의 주된 사업이지만, 버섯으로 디자인 작업도 하고 있다"라고 말했다.김옥(Ok Kim)은 조각적인 옻칠 작품을 선보였다.응스즈키앗(Ng Sze Kiat)은 "우리는 지금까지 많은 조명을 만들어왔고, 이제는 사이드 테이블, 커피 테이블 같은 다른 가구로 확장하고 있다"라고 덧붙였다.다양한 형태로 재료를 표현하기 위해 디자인된 이 테이블은 산소에 노출되었을 때 자라난 버섯이 유리 상판을 지탱하고, 더 단단한 받침대는 석고 몰드를 이용해 형성되었다.응스즈키앗은 "Emerge 전시를 통해 나는 버섯 그 자체를 보여주고 싶었다"라며, "버섯은 매우 아름다운 재료다. 사람들이 자신과 동떨어져 있던 이 생명체를 직접 경험하길 바란다"라고 설명했다.시아운 시우(Eian Siew)는 공기 주입식 램프를 선보였다.전시 공간은 다채로운 직물로 장식되었으며, 슈퍼마마(Supermama) 디자인 스토어의 창립자인 에드윈 로(Edwin Low)와 잡지 디자인 앤솔로지(Design Anthology)의 창립자인 수지 아네타(Suzy Annetta)가 큐레이션을 맡았다. 전시는 ‘디자인 오브제(Design Object)’와 ‘디자인 소셜(Design Social)’이라는 두 개의 섹션으로 구성되었다.로는 이러한 작품들이 단순히 디자인 자체를 위한 것이 아니라, 의도적인 디자인과 소통을 통해 디자인 산업이 직면한 도전 과제를 해결하려 한다고 설명했다.그는 이번 전시 투어 중 Dezeen과의 인터뷰에서 "디자인은 언어로서 매우 강력하다고 생각한다. 디자인은 우리의 생각, 아이디어, 역사, 유산을 전달할 수 있는 도구로 사용될 수 있다"라고 말했다.로(Edwin Low)는 "많은 디자인의 의도와 디자인의 힘은 '왜'라는 질문에 있다"라고 말했다.그는 이어 "디자인의 무형적인 측면이 갑자기 유형적인 것보다 훨씬 더 큰 가치를 갖게 된다. 그래서 올해의 전체적인 주제가 '디자인을 통한 대화(Dialogue through Design)'다"라고 설명했다.둥글게 높여진 플랫폼 위에 전시된 다른 제품과 가구로는 싱가포르 디자이너 가브리엘 탄(Gabriel Tan)이 선보인 수제 테이블탑 제품들이 있었다.흙과 트래버틴 석재로 조각된 이 컬렉션은 탄의 동명 디자인 스튜디오에서 제작한 일련의 꽃병과 그릇으로 구성되어 있다.이번 전시는 에드윈 로(Edwin Low)와 수지 아네타(Suzy Annetta)가 큐레이션을 맡았다.말레이시아 산업 디자이너 에릭 타우(Eric Tau)가 설립한 스튜디오 빅 핸드 크리에이션(Big Hand Creation)은 모듈형 램프 시리즈를 전시했다.다양한 색상으로 선보인 베오리 램프(Bēori Lamp)는 재활용 니트릴 장갑으로 만든 지속가능한 가죽 유사 소재인 베이온 러버(Beyon Rubber)를 활용해 제작됐다.이 램프의 둥근 형태는 재생 바이오플라스틱으로 만든 스냅핏 부품으로 구성되어 있으며, 다채로운 고무 요소로 개성을 더할 수 있다.또 다른 전시작으로는 싱가포르 기반 디자이너이자 연구자인 시아운 시우(Eian Siew)가 선보인 (Air) 램프가 있었는데, 이는 두 쌍의 다리 위에 올려진 공기 주입식 램프다.전시 공간은 다채로운 직물로 장식되었다.주요 전시작으로는 한국 디자이너 김옥(Ok Kim)이 전통 한국 기법을 활용해 만든 조각적인 옻칠 작품과, 아틀리에 손(Atelier Sohn)이 선보인 테이블이 있었다. 이 테이블은 플라스틱 폐기물 조각을 모아, 흘러내린 치즈 같은 형상의 다채로운 용제로 결합해 제작되었다.에드윈 로(Edwin Low)는 올해 작품들 중 상당수가 장애인을 위한 포용적 디자인을 만들거나, 오늘날의 소재를 대체할 수 있는 보다 지속가능한 대안을 제시하는 등 ‘의도 있는 디자인’을 지향했다고 설명했다.그는 “세상에 접시가 또 필요할까? 그렇진 않다고 본다. 하지만 그 접시를 통해 장애가 부끄럽거나 숨겨야 할 것이 아니라는 인식을 흔들 수 있다면 어떨까.장애는 우리 공동체 안에 존재하는 것이며, 우리는 그것을 받아들여야 한다. 만약 우리가 좋은 일을 할 수 있는 방법이 있다면, 왜 하지 않겠는가. 그런 면에서 디자인은 매우 강력하다”라고 말했다.사진 제공 (별도 표기가 없는 한​)Find – Design Fair AsiaEmerge 전시와 Find – Design Fair Asia 트레이드 쇼는 2025년 9월 11일부터 13일까지 싱가포르 마리나 베이 샌즈에서 열렸으며, 이는 9월 21일까지 이어지는 2025 싱가포르 디자인 위크의 일환이다. 전 세계에서 열리는 최신 건축 및 디자인 행사는 Dezeen 이벤트 가이드에서 확인할 수 있다. ​​· 해당 게시물은 ​KIDP와의 협약을 통한 Dezeen 콘텐츠의 번역본입니다.· ChatGPT와 DeepL 번역기를 활용하여 번역되었으며 이로 인해 일부 문맥이나 표현이 원문과 다소 차이가 있을 수 있습니다.· 블로그, 개인 홈페이지 등외부 채널에 게재할 경우번역 유의사항과 함께반드시 출처를 밝혀주시기 바랍니다.

2025-10-14 6

슬란차(Slancha), 런던 갤러리에 피아트 126 전시하며 ‘카 부트 세일(The Car Boot Sale)’ 참가

영국의 갤러리 슬란차(Slancha)는 전국의 신진 디자이너 16명을 모아, 중고 물품 장터(카 부트 세일)의 정신을 담은 최신 전시를 선보였다. 이번 전시에서는 자투리 소재, 발견된 오브제, 벼룩시장 물건 등으로 만든 제품들이 전시되었다.‘The Car Boot Sale’ 전시는 런던 디자인 페스티벌의 일환으로 쇼디치(Shoreditch)에 위치한 폼드(Formd) 갤러리에서 열렸으며, 출품작의 절반은 슬란차가 이미 협업 중인 신진 디자이너들의 작품이었다.슬란차(Slancha)는 런던 디자인 페스티벌에서 ‘The Car Boot Sale’을 처음 선보였다.전시 작품의 나머지 절반은 공동 설립자인 핀들리 맥도널드(Findlay MacDonald)와 하비 에버슨(Harvey Everson)이 공개 모집을 통해 선정했으며, 이를 통해 참여의 장벽을 낮추고자 했다.맥도널드는 디자인 매체 디진(Dezeen)과의 인터뷰에서 “이곳에서는 공간이 매우 귀하다. 폼드(Formd)와 협력해 전시 공간을 직접 운영하고, 그동안 접근하기 어려웠던 규모의 전시를 열 수 있는 기회를 얻었다.”라고 말했다.그는 이어 “이번 전시는 그동안 함께 작업하지 못했던 사람들의 작품을 소개하고, 갤러리와 협업하거나 런던의 좋은 전시 공간에서 자신의 작품을 선보일 기회가 없던 이들을 조명할 수 있는 좋은 계기였다.”라고 덧붙였다.이번 전시에는 16명의 신진 디자이너들의 작품이 소개되었다.전시를 ‘카 부트 세일(Car Boot Sale)’을 주제로 기획한 아이디어는 포용성을 넓히려는 같은 취지에서 출발했으며, 이를 통해 슬란차(Slancha)는 다양한 분야의 폭넓은 작품을 선보일 수 있었다.맥도널드는 “어릴 적 가족과 함께 카 부트 세일에 가는 것을 정말 좋아했다. 서로 다른 작품들이 조화롭게 어우러질 수 있는 다채로운 작업들을 보여주기에 좋은 방식이라고 생각했다.”라고 설명했다.그는 이어 “카 부트 세일은 많은 사람들에게 감정적으로도 특별한 의미가 있다. 그래서 거칠지만 솔직한 제작 방식을 장려하고, 사람들이 가진 추억을 작품을 통해 풀어낼 수 있는 좋은 방법이라고 생각했다.”라고 덧붙였다.제임스 스티븐슨(James Stephenson), 디스이즈바이런(ThisIsByron),토머스 휠러(Thomas Wheller), 올리버 스펜들리(Oliver Spendley)는 모두 트레이(Tray) 작품을 출품했다.실제 카 부트 세일처럼, 전시는 체리 레드 색상의 피아트 126(Fiat 126)을 중심으로 구성되었다. 이 차량은 건물의 문과 문틀을 제거해야만 간신히 갤러리 안으로 들일 수 있었다.폼드(Formd)의 설립자 루이스 마일스(Lewis Miles)는 개막 하루 전, 원래 전시용으로 계획했던 4륜차가 문에 4분의 3만 들어간 채 끼어버리는 바람에 급히 eBay를 통해 이 차량을 구입했다고 전했다.스튜디오 이스트×이스트(Studio EastxEast)는 여러 요소를 뒤섞어 만든 ‘프랑켄슈타인식 가구’를 선보였다.전시 전반에 걸쳐 16명의 디자이너 작품들은 카펫, 선반, 테이블, 나무 상자 위에 소규모로 조합되어 전시되었다.스코틀랜드 디자이너 올리버 스펜들리(Oliver Spendley)는 하이랜드에서 주운 돌을 깎아 만든 원시적인 재떨이를 선보였으며, 토머스 휠러(Thomas Wheller)는 재활용된 스칸디나비아산 소나무로 ‘직관적으로 조각된’ 트레이를 제작해 전시했다.또 다른 디자이너들은 직접 카 부트 세일 현장을 찾아가 재료를 발굴했다. 런던의 디자이너 디스이즈바이런(This Is Byron)은 주석 맥주잔과 각종 장식품을 녹여 재떨이 시리즈를 만들었고, 뉴캐슬 출신 제임스 스티븐슨(James Stephenson)은 버려진 식기를 활용해 벽걸이용 고리와 실제 조개처럼 정교하게 조각된 트레이를 제작했다.한국의 듀오 스튜디오 이스트×이스트(Studio EastxEast)는 센트럴 세인트 마틴스(Central Saint Martins) 졸업작품을 선보였다. 이는 벼룩시장에서 발견한 여러 물건을 결합해 만든 다기능 가구로, 의자이자 테이블이자 선반으로 사용할 수 있는 ‘프랑켄슈타인식 조합 가구’였다.조지 리처드슨(George Richardson)은 선반 작품 ‘너크 선반(Knuck Shelf)’을 선반기(旋盤機, lathe)로 깎아 제작했다.맨체스터 출신의 제이크 로버트슨(Jake Robertson)은 자신이 작업 중에 남긴 자투리 소재를 활용해 ‘홀 펜던트 램프(Pendant Lamp with Holes)’를 만들었으며, 알루미늄 봉과 남은 밸크로매트(valchromat)로 의자도 제작했다.이와 마찬가지로 글래스고의 주얼리 디자이너 밀리차 밀렌코바(Militsa Milenkova)는 유압 프레스를 사용해 잘려 남은 알루미늄 조각을 티라이트 홀더로 변형했고, 런던의 에밀리아 톰볼레시(Emilia Tombolesi)는 버려진 구리 조각을 용접 토치로 가열해 녹청(patina)이 생긴 조명 작품을 완성했다.마크 스위니(Marc Sweeney)와 제이크 로버트슨(Jake Robertson)은 실험적인 형태의 좌석 작품을 선보였다.‘The Car Boot Sale’ 전시의 목재 작품 중 상당수는 재활용 소재를 사용하는 대신, 제작 과정을 그대로 드러내어 오브제가 가진 숨은 제작의 역사를 보여주는 데 초점을 맞췄다.그중에서도 마크 스위니와 조지 리처드슨(George Richardson)의 조각적 선반기(旋盤機) 조형물은 대표적인 사례였다. 리처드슨의 작품 ‘너크 선반(Knuck Shelf)’은 연결부에서만 목재의 네모난 단면을 그대로 남겨, 가공 이전의 재료 본연의 형태를 강조했다.한편 디자인 듀오 코롬(Korrom)은 스코틀랜드산 시카모어 단풍나무를 손으로 깎아 고전적인 가구 다리 형태에서 영감을 받은 캔들홀더 시리즈를 만들었고, 에토레 소트사스(Ettore Sottsass)의 사이키델릭한 붉은 색 베니어판을 활용해 기하학적 조명도 제작했다.밀리차 밀렌코바(Militsa Milenkova)의 티라이트 홀더는 코롬(Korrom)의 조명 옆에 전시되었다.이번 전시에는 아이오나 맥빈(Iona McVean), 바이 잼프스(By Jamps), 바이 조지 엑슨(By George Exon), 에멜리 엘거스마(Emmely Elgersma), 제임스 그로스먼(James Grossman), 아딧 아베이 푸니아(Adit Abhey Poonia) 등 다양한 디자이너들도 참여했다.‘The Car Boot Sale’은 올해 런던 디자인 페스티벌에서 대형 브랜드의 신제품 발표 대신, 신진 디자이너들의 존재감이 두드러진 흐름 속에서 열린 전시 중 하나였다.그중에서도 클러큰웰 소방서(Clerkenwell Fire Station)에서 열린 맥스 래드포드 갤러리(Max Radford Gallery)의 ‘그레인 파일(Grain Pile)’ 전시와 런던 아프리카 디아스포라 디자이너들을 조명한 ‘미러링 다이얼로그(Mirroring Dialogue)’ 전시가 주목을 받았다.‘The Car Boot Sale’은 런던 디자인 페스티벌의 일환으로 9월 16일부터 21일까지 개최되었다. 전 세계의 다른 디자인 전시와 행사는 Dezeen 이벤트 가이드에서 확인할 수 있다. ​​· 해당 게시물은 ​KIDP와의 협약을 통한 Dezeen 콘텐츠의 번역본입니다.· ChatGPT와 DeepL 번역기를 활용하여 번역되었으며 이로 인해 일부 문맥이나 표현이 원문과 다소 차이가 있을 수 있습니다.· 블로그, 개인 홈페이지 등외부 채널에 게재할 경우번역 유의사항과 함께반드시 출처를 밝혀주시기 바랍니다.

2025-10-14 4

Cabin Fever 2025의 다섯 가지 유쾌하고 기능적인 파빌리온

이 축제는 학생과 건축가가 함께 모여‘디자인-빌드(design-build)’ 방식을 통해 사회적으로 의미 있고 지속 가능한 프로젝트를 만들어가도록 하기 위해 Hello Wood가 설립했다. 이는 공동체 중심의 Hello Wood 철학과도 맞닿아 있다.스튜디오는 "Velux가 협력한 2025년 행사는 빛과 공간이 인간의 경험을 어떻게 형성하는지를 탐구했으며, 건축의 중심에 존재, 친밀함, 연결을 두었다."라고 말했다.또한 "Velux와의 이번 대화는 건축의 미래가 책임에 달려 있다는 공유된 신념을 반영한다. 즉, 배려와 인식, 빛을 바탕으로 공간을 창조하는 것, 그리고 자극이 넘쳐나는 세상 속에서 의미 있는 대안을 제시하는 것이다."라고 덧붙였다.아래에서 축제에 선보인 유쾌한 설치물들을 살펴볼 수 있다.미엘크 아키텍티(Mjölk Architekti)의 The Chicken쉼터이자 전망대 역할을 겸하는 The Chicken 파빌리온은 디자이너 미엘크 아키텍티(Mjölk Architekti)가 닭의 삶을 "반영하도록" 구상했다.짚으로 덮인 외관은 곤충과 새의 서식지 역할을 겸하며, 내부에는 방문객이 쉴 수 있는 공간이 마련되어 있다. 이곳에서 튀어나온 붉은 창문을 통해 바깥 풍경을 조망할 수 있다.행사 측은 "이 기발한 형태는 디자인이 단순히 직선에만 국한되지 않음을 상기시킨다. 디자인은 또한 기쁨과 호기심, 그리고 우리 주변 세계와의 더 깊은 연결을 가져올 수 있다."라고 전했다.아서 마무 마니(Arthur Mamou-Mani)의 지바(Živa)디자이너 아서 마무 마니(Arthur Mamou-Mani)가 설계한 지바(Živa) 파빌리온은 "자연과 배움이 만나는" 공간으로, 높이 들어 올려진 기하학적 형태로 이루어져 있다.Cabin Fever 측에 따르면 "정교한 기하학적 형태는 야생에서 발견되는 균형과 조화를 반영하며 이끼로 둘러싸인 주변 환경은 조용한 성찰을 이끈다."라고 설명했다.숲을 배경으로 한 이 쉼터는 방문객들에게 협력적인 환경을 제공하도록 고안된 아늑한 교실 공간 역할을 한다.자크 언더우드(Zak Underwood)의 Loom건축가 자크 언더우드(Zak Underwood)는 노란색 천으로 장식된 Loom 설치물을 디자인하며 이 장소의 섬유 유산에서 영감을 얻었다.높은 플랫폼 위에 자리 잡은 이 구조물은 목재 기둥과 보로 둘러싸여 있으며, 이는 "베틀의 구조적 원리"를 재해석한 것이다. 그 안에는 보호된 좌석 공간이 마련되어 있다.Cabin Fever 측은 "옛 공장 부지에 세워진 Loom은 쉼터이자 상징이 된다. 이는 공예와 기억, 그리고 변화를 촉각적으로 상기시켜준다."라고 설명했다.엔트로픽(Entropic)의 The Splinter디자인 스튜디오 엔트로픽(Entropic)이 이번 축제를 위해 설계한 The Splinter 캐빈은 각진 형태와 붉은색 마감으로 특징지어진다.주최 측은 "이 쉼터는 고독과 연결, 거칠음과 편안함을 균형 있게 담아내며, 휴식을 취하고 이야기를 나누며 자연과 진정으로 연결될 수 있는 공간을 제공한다."라고 설명했다.전면에는 나무 블록이 계단 역할을 하여 높게 마련된 출입구로 이어지며, 그 너머에는 불규칙하게 배치된 사각 창으로 빛이 들어오는 "따뜻하고 아늑한" 공간이 펼쳐진다.Dorottya Kiss와 Matthew McArthur의 EclosionEclosion 파빌리온은 도로챠 키시(Dorottya Kiss)와 매튜 맥아서(Matthew McArthur)가 설계한 각진 구조물로, 나무 조각들이 얽혀 하나의 네트워크를 이루고 있다.설치물의 정교하고 직조된 요소들은 이 장소의 섬유 공예와 제조 역사, 그리고 거미 고치에서 영감을 얻었다.행사 측은 "이 장소를 방문하는 동안, 여러분은 끊임없이 공간과 시간의 직물 속에 엮이며, 결국 끊임없이 변화하는 장소의 직물 일부가 된다."라고 설명했다.사진촬영 - BoysPlayNiceCabin Fever 2025는 2025년 7월 23일부터 31일까지 체코의 체스카 카메니체(Česká Kamenice)에서 열렸다. 전 세계에서 열리는 최신 건축 및 디자인 이벤트는 Dezeen Events Guide에서 확인할 수 있다. ​​· 해당 게시물은 ​KIDP와의 협약을 통한 Dezeen 콘텐츠의 번역본입니다.· ChatGPT와 DeepL 번역기를 활용하여 번역되었으며 이로 인해 일부 문맥이나 표현이 원문과 다소 차이가 있을 수 있습니다.· 블로그, 개인 홈페이지 등외부 채널에 게재할 경우번역 유의사항과 함께반드시 출처를 밝혀주시기 바랍니다.

2025-10-14 2

마크 뉴슨(Marc Newson), 펜디(Fendi)를 위한 다채로운 픽셀 풍경을 창조하다

디자이너 마크 뉴슨(Marc Newson)은 밀라노 패션위크에서 열린 Fendi 2026 봄·여름 컬렉션을 위해 101가지 서로 다른 색상의 블록을 물결치는 지형처럼 배치한 런웨이 세트를 선보이며 첫 무대 연출에 도전했다.이 무대는 크리에이티브 디렉터 실비아 벤투리니 펜디(Silvia Venturini Fendi)가 선보인 최신 컬렉션 속 수많은 플라워 프린트 중 하나를 추상적으로 해석한 공간으로 디자인되었다.Marc Newson은 Fendi 2026 봄·여름(SS26) 쇼를 위한 무대를 디자인했다.이 플로럴 패턴은 알아볼 수 없을 정도로 확대되어 거대한 픽셀 지형으로 변환되었으며, 이는 구불구불한 런웨이와 그 주변을 감싸듯 솟아오른 사운드바 같은 계단형 좌석을 형성했다.뉴슨은 이번 무대를 "색채로부터 얻는 순수한 기쁨"을 증명하는 작품으로 구상했다고 밝혔다.이 무대는 101가지 서로 다른 색상의 동일한 크기 블록들로 구성되어 있다.디자이너는 "이 콘셉트는 색채의 우선성을 기념하는 것이다. 이는 Fendi의 이미지와 긴밀히 연결된 집착이기도 하다.이 무대는 탐험 가능한 색채의 평면을 나타내며, 매혹적인 촉감과 톤이 물결치듯 몰입적인 풍경을 형성한다."라고 설명했다. Instagram에서 이 게시물 보기 Dezeen(@dezeen)님의 공유 게시물 이러한 "픽셀"들은 구불구불한 런웨이를 둘러싼 계단형 좌석을 형성하는 데 사용되었다.​무대를 구성하는 모든 블록은 몇몇 전략적으로 배치된 단계를 제외하고는 정확히 같은 크기로 제작되어, 균일한 픽셀의 인상을 주도록 했다.101가지 서로 다른 색조로 마감 및 장식된 이 블록들은 쇼가 끝나는 지점과 관객이 시작되는 지점 사이의 공간적 경계를 흐리게 만든다.그 결과물은 일종의 색채 조각보처럼 완성되었으며 이는 모피와 가죽 공방으로 출발한 펜디(Fendi)​의 기원과 올해 100주년을 맞이한 패션 하우스가 지속적으로 강조해온 장인 정신에 경의를 표하도록 디자인되었다.뉴슨은 "실비아 벤투리니 펜디의 많은 기대를 모은 최신 컬렉션을 선보일 무대를 디자인하도록 초대받은 것은 큰 영광이었다."라고 말했다. 이어 "그 영광은 펜디가 지속적으로 지켜온 장인 정신과 혁신에 대한 헌신과 가까이에서 연관될 수 있었다는 사실로 더욱 크게 느껴진다."라고 덧붙였다.Newson은 이번 무대를 "탐험 가능한 색채의 평면"으로 구상했다.그는 "25년 전 펜디가 밀라노에서 내 Ford O2IC 콘셉트카를 선보일 수 있도록 공간을 기꺼이 내주었을 때부터, 나는 이 협업으로 다시 돌아오기를 갈망해왔다."라고 말했다."그때도, 지금도 기쁨 가득한 경험이었다. 2000년 당시에는 펜디의 푹신한 주사위 소품이 내 차량의 세련된 인테리어와 장난스럽게 대비되며, 이 위대한 아틀리에가 모피 공방에서 출발했다는 사실을 유쾌하게 상기시켰다."라고 그는 덧붙였다.호주 출신의 뉴슨은 1990년작 록히드 라운지(Lockheed Lounge)로 잘 알려져 있으며, 이는 세계에서 가장 비싼 디자인 오브제로 기록되었다. 그는 또한 조니 이브(Jony Ive)와의 다수 협업으로도 유명하다.밀라노 패션위크는 9월 23일부터 29일까지 도시 전역의 다양한 장소에서 열렸다. 전 세계에서 열리는 최신 건축 및 디자인 이벤트는 Dezeen Events Guide에서 확인할 수 있다. ​​· 해당 게시물은 ​KIDP와의 협약을 통한 Dezeen 콘텐츠의 번역본입니다.· ChatGPT와 DeepL 번역기를 활용하여 번역되었으며 이로 인해 일부 문맥이나 표현이 원문과 다소 차이가 있을 수 있습니다.· 블로그, 개인 홈페이지 등외부 채널에 게재할 경우번역 유의사항과 함께반드시 출처를 밝혀주시기 바랍니다.

2025-10-10 20

헬싱키 디자인 위크 20주년을 장식한 다섯 가지 아이디어

헬싱키 디자인 위크 20주년 에디션에 이어, 디진(Dezeen)의 제인 엥글필드(Jane Englefield) 기자가 도시 최대의 산업 축제에서 발견한 다섯 가지 지속적인 핀란드 디자인 원칙을 정리했다.헬싱키 디자인 위크 2025는 9월 5일부터 14일까지 핀란드 수도 전역의 다양한 장소에서 열렸다. 올해는 이 행사의 20주년을 기념하며 현지 디자인 현장을 엿볼 기회를 제공했다.핀란드 디자인은 전통적으로 실용주의와 자연과의 긴밀한 관계로 인정받는다. 여기 건축가와 디자이너들이 현대 관객을 위해 이와 같은 유서 깊은 원칙들을 계속해서 채택하고 있는 다섯 가지 방법을 소개한다.사진 제공: JKMM아키텍츠 (JKMM Architects)​민주적 디자인올해 축제는 2030년 개관 예정인 핀란드의 큰 기대를 모으는 새로운 해안가 건축 디자인 박물관을 설계하기 위한 18개월간의 국제 공모전의 마무리를 장식했다.기자 회견에서 현지 스튜디오인 JKMM 아키텍츠(JKMM Architects)가 "디자인 도구의 민주화"를 목표로 하는 재활용 벽돌 외장 박물관 제안으로 공개 익명 공모전에서 우승했음이 밝혀졌다.모두를 위한 접근성에 대한 이러한 초점은 알토 대학교(Aalto University)에서도 메아리쳤다. 그곳에서 디자이너와 화학자 그룹이 협력하여 '경이로운 재료들(Marvellous Materials)'이라는 "요리책"을 만들었다. 이는 아이들이 부엌 찬장과 퇴비 통을 뒤져 천연 폐기물을 찾도록 장려한다. 그런 다음 이 재료들은 어린 나이부터 지속 가능성을 가르치기 위한 노력의 일환으로, 생분해성 반짝이부터 오렌지 껍질 플레이도에 이르기까지 다양한 "레시피"를 만드는 데 사용된다.알토 대학교의 사라 허드슨(Sarah Hudson)은 "연구원들이 모여서 '잠깐, 우리가 정말로 세상을 바꾸고 사람들이 지속 가능성을 진정으로 이해하도록 내재화하려면, 우리가 해야 할 일은 어린이 책을 만들기 위해 협력하는 것'이라고 생각했다"고 설명했다. '경이로운 재료들'은 10월 28일까지 대학의 연례 협력 전시인 '더 시원한 지구를 위한 디자인(Designs for a Cooler Planet)'의 일부로 전시된다.사진: 에사 카필라 (Esa Kapila)​자연과의 근접성핀란드인들은 자연과의 연결로 유명하며, 평균적인 시민은 숲에서 단 700미터 떨어진 곳에 산다고 한다. 대자연에 대한 이러한 예찬은 '더 시원한 지구를 위한 디자인' 전시회 전반에서 발견되며, 탄소 집약적인 재료에 대한 자연적인 대안을 선보인다.전시된 프로젝트 중에는 물속에서도 작동하는 단백질 기반 접착제가 있다. 홍합과 따개비가 바위에 붙는 방식에서 정보를 얻어, 팀은 두 바다 생물의 DNA 조각을 결합하고 박테리아에 복제했다. 그런 다음 이 박테리아는 천연 접착제 역할을 하는 단백질 분자를 생산했으며, 팀은 언젠가 이것이 산호초를 복구하거나 인간 조직의 부상을 치유하는 데 사용될 수 있기를 희망한다.또 다른 알토 대학교 연구팀은 3D 프린팅된 효모 바이오매스로 만든 빌딩 블록을 선보였다. 국토의 거의 80%가 나무로 덮인 나라답게, 전시회는 '워미(Woamy)'라는 목재 기반 바이오폼과 학생 데보라 쿠마가이(Deborah Kumagai)의 셀룰로오스 임신 테스트기를 포함한 목재 중심 프로젝트도 특징으로 한다.목재는 하비타레(Habitare) 가구 페어에서 더 큰 규모로 등장했다. 그곳에서 핀란드-이탈리아 건축 스튜디오 콜라보라토리오(Collaboratorio)는 "촉각"이라는 주제를 바탕으로 기념비적인 파빌리온을 디자인했다.이 설치물은 현재 보수 공사로 폐쇄된 핀란드 국립 박물관의 확장 공사 중 제거된 느릅나무 그루터기로 고정되었다. 한편 바닥재는 신선한 핀란드 이끼와 아르키테흐딧 NRT(Arkkitehdit NRT)가 최근 헬싱키의 사랑받는 핀란디아 홀(Finlandia Hall)을 개조하면서 수거한 재활용 카라라 대리석 조각을 혼합하여 만들어졌다.사진: 유스투스 히르비 (Justus Hirvi)디자인을 통한 행복올해의 주요 전시인 '행복을 디자인하다(Designing Happiness)'는 백과사전식 사물 배열을 통해 개인 및 집단적 웰빙에서 건축과 디자인의 역할을 파헤쳤다.큐레이터 안니나 코이부(Anniina Koivu)는 "북유럽 국가들의 행복에 대해 많은 말이 있었지만, 행복이 실제로 디자인될 수 있는가?"라고 물었다. 그녀의 1년간의 연구는 건강, 도시 계획, 패션 등 다양한 분야의 현대 및 역사적 제품과 서비스를 망라했다.전시된 사물들은 "모든 핀란드인이 어딘가에서 만져본" "환영하는" 알바르 알토(Alvar Aalto) 디자인의 문손잡이부터 스포츠웨어 브랜드 루카(Rukka)의 방수 아동복, 그리고 방문객들이 함께 음악을 들을 수 있도록 배열된 에로 아르니오(Eero Aarnio)의 1963년 볼 체어(Ball Chairs) 그룹에 이르기까지 다양했다. 쇼의 마지막에는 사람들이 행복의 "즉각적인 해결책"이 필요할 경우를 대비해 직접 골라 담는 사탕 그릇에서 사탕을 제공받았다.헬싱키 디자인 위크 설립자 카리 코르크만(Kari Korkman)은 축제 개막식 밤에 건축가와 디자이너들이 우리의 삶을 더 낫게 만들기 위해 어떻게 노력하는지 강조하며, 청중에게 "염세적인 디자이너를 만나본 적이 있습니까?"라는 질문을 던졌다.사진 제공: 하비타레(Habitare)공예에 대한 강조올해 헬싱키 디자인 위크에서는 행사의 '오픈 스튜디오' 시리즈가 돌아왔다. 이 시리즈에서 기성 및 신진 디자이너들은 자신의 작업장을 열고 디자인에 생명을 불어넣는 데 필요한 공예를 공개할 기회를 가졌다. 참가자 중에는 1년 된 "현대 목공 워크숍"인 미네스트로네 워크숍(Minestrone Workshop)이 있었는데, 그 멤버들은 신선한 관점에서 목재를 다루는 핀란드 전통을 이어가는 것을 목표로 한다.공예는 또한 신진 디자이너들을 위한 하비타레 프로토스(Habitare Protos) 전시에서도 중심 무대를 차지했다. 그곳에서 키르시카 헤이스카리(Kirsikka Heiskari)는 녹는 양초를 모델로 한 흔들리는 모듈식 유리 샹들리에를 선보였다. 가까운 곳에서는 레나르트 엥겔스(Lennart Engels)가 헬싱키의 많은 공중 사우나실에서 버려진 사우나 돌을 사용하여 개발한 지오폴리머 재료를 전시했다.이 디자이너는 또한 실험적이고 재료 중심적인 프로젝트를 위한 전시인 하비타레 탤런츠(Habitare Talents)의 다른 세 참가자와 협력하여, 그룹의 각 멤버가 개별 부품을 수작업으로 만든 재치 있게 구성된 사우나 히터를 제작했다.사진 제공: 아르텍 및 마리메꼬(Artek and Marimekko)유산에 대한 존중핀란드는 유리 제품 회사 이딸라(Iittala), 도구 제조업체 피스카스(Fiskars), 그리고 올해 90주년을 맞은 가구 제조업체 아르텍(Artek)을 포함한 많은 유산 브랜드로 유명하다. 이를 기념하여, 회사는 현지 텍스타일 브랜드 마리메꼬(Marimekko)와 협력하여 두 브랜드의 첫 공동 제작 가구 라인을 디자인했다.이 컬렉션에는 알아볼 수 있는 마리메꼬 모티프의 목재, 금속, 유리, 돌 상감으로 업데이트된 알토 디자인의 스툴 60, 벤치 153B, 테이블 90D 버전이 포함된다. 각 작품은 두 브랜드의 다른 시각적 언어를 결합하여 의도적으로 절제되게 만들어졌다.아르텍의 전무 이사 마리안느 괴블(Marianne Goebl)은 "우리는 우리의 공동 아기에 대해 매우 자랑스럽다"며 "이것은 두 친구 사이의 대화"라고 농담했다.위리외 쿠카푸로(Yrjö Kukkapuro)의 실험적인 집이자 스튜디오인 스튜디오 쿠카푸로(Studio Kukkapuro)에서는 그의 가족이 2월에 그가 사망하기 전 이 중추적인 핀란드 디자이너가 구상한 "마지막 의자"를 공개했다.약한 다리를 위해 단단한 손잡이를 제공하도록 설계된 YK92 안락의자는 하비타레에 전시되었으며, 쿠카푸로의 책상에 남겨진 미완성 디자인을 바탕으로 가구 제작자 알레스텍(Alestek)에 의해 제조되었다.그의 딸 이사 쿠카푸로-엔봄(Isa Kukkapuro-Enbom)은 "그는 마음속으로 여전히 디자인하고 있었다"고 설명하며, 아버지가 사망하는 날까지 안락의자를 넘어 새로운 아이디어를 꿈꾸고 있었다고 덧붙였다. "그는 여전히 이제까지 만들어진 것 중 가장 미니멀한 의자를 만드는 아이디어에 대해 생각하고 있었다. 그리고 그 의자는, 그가 별들로 가져갔다."헬싱키 디자인 위크 2025는 2025년 9월 5일부터 14일까지 핀란드 헬싱키 전역의 다양한 장소에서 열렸다. 전 세계에서 열리는 건축 및 디자인 행사의 최신 목록은 디진 이벤트 가이드를 참조하면 된다. ​​· 해당 게시물은 ​KIDP와의 협약을 통한 Dezeen 콘텐츠의 번역본입니다.· ChatGPT와 DeepL 번역기를 활용하여 번역되었으며 이로 인해 일부 문맥이나 표현이 원문과 다소 차이가 있을 수 있습니다.· 블로그, 개인 홈페이지 등외부 채널에 게재할 경우번역 유의사항과 함께반드시 출처를 밝혀주시기 바랍니다.

2025-09-18 63

브루스 한나(Bruce Hannah), "좋은 의자는 보이지 않아야 한다"

산업 디자이너 브루스 한나(Bruce Hannah)가 디진(Dezeen)과의 인터뷰에서 제조업을 주요 도시로 다시 이전하고, 오래1된 디자인을 새로운 재료로 업데이트하는 것이 미국 디자인의 우선 과제가 되어야 한다고 말했다.디진과의 대화에서 한나는 1960년대 프랫 인스티튜트(Pratt Institute)를 졸업하고 경력을 시작했을 때와 비교하여, 미국 대도시에서 가구 제조업체들이 사라진 것을 애도했다.그는 "뉴욕은 소규모 제조 회사들로 가득 차 있었고, 이는 무언가를 만드는 방법을 알아내려는 젊은 디자이너들에게 큰 혜택이었다"고 말했다."대기업들은 저렴하다는 이유로 외딴곳을 좋아하지만, 그것이 커뮤니티를 만드는 데 도움이 되지는 않을 수 있다.""특정 유형의 가구는 지역적으로 생산될 수 있습니다."한나는 놀(Knoll)에서 생산된 '모리슨 한나 태스크 체어'와 '한나 데스크 시스템'으로 큰 성공을 거두었고, 이후 2015년까지 30년간 프랫 인스티튜트의 산업 디자인 학과장을 역임했다.주요 도시 중심지의 창의적인 인재들이 번창할 수 있도록 하려면, 디자인 산업이 "뉴욕시에서 다시 물건을 만드는" 방법을 알아내야 한다고 한나는 주장한다.한나는 그리니치 빌리지에 있는 건축 하드웨어 회사 PE Gerwin(뉴욕의 유일한 주조 공장)을 그것이 가능하다는 증거로 꼽았다.그는 "쓰레기통, 비누 홀더 등 최소한의 취급만 필요한 제품들을 생산하는 중소 규모의 공장들을 구상하고 있다. 이들은 사출 성형으로 제작되어 지역적으로 배송될 수 있다"고 말했다."또한 특정 유형의 가구도 지역적으로 생산될 수 있다고 생각한다."한나의 '모리슨 한나 태스크 체어'는 작년에 놀과 함께 재출시되었다이러한 방식으로 생산 모델을 바꾸면 디자인 전공 학생들이 사물이 어떻게 만들어지는지에 대한 중요한 실무 경험을 얻을 수 있게 될 것이라고 그는 덧붙였다. 특히 이 분야에서 생계를 꾸리기가 점점 더 어려워지고 있기 때문이다.한나는 "궁극적으로 저는 사람들이 일자리를 갖게 하는 데 관심이 있다"고 말했다.프랫을 떠난 후, 한나는 뉴욕 시립 공과대학(New York City Tech)에서 교편을 잡았으며, 그곳에서 산업 디자인에 대한 접근 방식으로 예술 교육보다는 공학을 우선시하고 있다고 말했다.한나는 놀이 '모리슨 한나 태스크 체어'를 개량하여 재출시한 것을 계기로 인터뷰에 응했다. 이 의자는 그가 1970년대 뉴욕에서 오랜 협력자 앤드류 모리슨(Andrew Morrison)과 함께 디자인하고 프로토타입을 제작했던 것이다.새로운 의자는 형태는 거의 동일하지만, 좌석 지지대로 플라스틱 대신 합판을 사용했으며, 한나에 따르면 교체 가능한 부품을 사용하여 '요람에서 요람까지(cradle-to-cradle)' 디자인 원칙에 중점을 두고 설계되었다.한나는 "디자인을 레시피로, 구성 요소를 재료로 생각한다면, 2024년 의자는 1973년 의자보다 더 낫다. 왜냐하면 우리에게 더 좋은 재료가 있기 때문"이라고 말했다.그는 "그리고 우리는 우리가 내렸고, 또 내리는 선택들이 환경적으로나 제조 방식에 미치는 영향을 이해한다. 즉, 지난 50년간 수집된 실제 데이터를 바탕으로 이제 더 정보에 입각한 더 나은 선택을 할 수 있다"고 이어갔다."레시피는 변하지 않았지만, 재료는 대부분 더 나은 방향으로 변했다.""누가 경쟁을 파악할 수 있는지 모르겠어요."오늘날, 유명 미국 가구 브랜드들의 연례 출시 제품에는 이러한 재발매 제품이 많이 포함된다. 예를 들어, 허먼 밀러(Herman Miller)는 최근 대나무 유래 덮개를 씌운 임스 체어(Eames Chair)를 공개했다.한나는 모리슨과 한나가 1970년대에 자신들의 디자인을 제안하기 위해 놀에 콜드콜을 했을 때, 조지 넬슨(George Nelson)이나 임스 부부(the Eameses)와 같은 유명한 미드센추리 디자이너들이 여전히 활동 중이었다고 언급했다.그는 "그것은 매우 다른 세상이었지만, 도달 불가능해 보였다. 당시 우리에게는 아무것도, 그야말로 아무것도 없었다. 우리의 철학은 '놀에 팔고 은퇴하자'였다."고 말했다.​그가 말하길, 계약을 성사시킨 것은 바닥에서 보았을 때 어떻게 보이는지를 바탕으로 의자를 디자인하는 것과 같은 다른 접근 방식을 강조한 것이었다.그는"우리는 가구를 만드는 새로운 방법에 대한 아이디어가 있었다. 그리고 그것이 항상 대화의 핵심이었다."고 말했다.​오늘날, 한나는 "너무나 많은 의자들"이 있는 분야에서 젊은 디자이너들이 자신을 차별화하는 데 직면한 어려움을 강조했다.그는​"누가 경쟁을 파악할 수 있는지조차 모르겠다"고 말했다.제조 과정에 대한 더 깊은 이해를 얻는 것뿐만 아니라, 스토리텔링과 기업가 정신이 그의 접근 방식에서 초점이 되었다고 한나는 말했다."사람들은 반드시 제품이 아니라 당신을 보고 있다.산업 디자인은 일종의 기업가적인 공간, 비즈니스이며, 많은 사람들이 자신의 사장이 되기를 원한다.이야기는 나에게 항상 디자인의 가장 흥미로운 부분이었다"고 말을 이었다."앤디와 내가 명백한 이유들 외에 놀과 함께 일하고 싶었던 이유 중 하나는, 마르셀 브로이어(Marcel Breuer)가 어떻게 자전거 핸들바에서 의자를 보았는지 등, 고전 가구 디자인이 어떻게 만들어지고 제조되었는지에 대해 들었던 이야기들이었다."이러한 서사적 요소는 디자이너들이 소셜 미디어에서 자신을 표현해야 하는 시대에 더욱 뚜렷해졌다. 놀을 위한 한나의 캠페인조차도 재창조된 의자에 앉아 있는 디자이너 자신을 특징으로 한다.그럼에도 불구하고, 한나는 디자이너들이 훌륭한 새로운 아이디어를 내놓을 수 있는 능력에 대한 믿음을 잃지 않았다."모든 실용주의와 경제적인 것들, 그리고 다른 모든 것에도 불구하고 저는 그냥 툭 튀어나오는 이 사랑스러운 것들에 끊임없이 충격을 받는다."이미지 저작권: 놀 (Knoll) ​​· 해당 게시물은 ​KIDP와의 협약을 통한 Dezeen 콘텐츠의 번역본입니다.· ChatGPT와 DeepL 번역기를 활용하여 번역되었으며 이로 인해 일부 문맥이나 표현이 원문과 다소 차이가 있을 수 있습니다.· 블로그, 개인 홈페이지 등외부 채널에 게재할 경우번역 유의사항과 함께반드시 출처를 밝혀주시기 바랍니다.

2025-09-18 28

'디자인 뭄바이', 현대 인도 디자인의 선구자로 돌아오다

프로모션: 디자인 뭄바이(Design Mumbai)가 오는 11월 두 번째 에디션을 개최할 예정이며, 도시의 지오 월드 가든(Jio World Garden)으로 돌아와 4일 동안 광범위한 이벤트 프로그램을 선보인다.11월 26일부터 29일까지 열리는 이 행사는 설치 작품, 전시, 강연을 통해 인도 디자인 스튜디오와 국제적인 인재들을 조명할 것이다.업무 공간, 상업, 소매, 주거 디자인을 아우르는 이 쇼는 80개 이상의 전시업체를 유치할 예정이며, 국제 브랜드의 참여도 점차 늘어나고 있다.국제적인 시각을 가진 유일한 인도 현대 디자인 쇼로 알려진 올해 디자인 뭄바이에는 나뚜찌(Natuzzi), 스트링(String), 폴트로나 프라우(Poltrona Frau), 블로 스테이션(Blå Station) 등 최고의 디자인 브랜드들이 참여할 예정이다.디자인 뭄바이는 지오 월드 가든에서 열리며 가구 브랜드 인피니티와 벤자라(아래 사진)가 포함된다주요 하이라이트로는 디자이너 아담 마코위츠(Adam Markowitz), 미국 활엽수 수출 협회(American Hardwood Export Council), 그리고 인도 가구 제조업체 팬텀 핸즈(Phantom Hands)와의 협업이 있다. 이들은 미국산 체리, 메이플, 레드 오크로 만든 조각적인 다이닝 테이블, 벤치, 벽 조명을 선보이는 설치 작품을 전시할 것이다.또 다른 주목할 만한 프로젝트는 디자이너 루카스 무뇨스(Lucas Muñoz)가 디자인 뭄바이와 더 파크 호텔(The Park Hotels)의 지속적인 협력을 기념하기 위해 만든 현장 특정 카페이다. 이 카페는 호텔의 리퍼브 과정에서 나온 재활용 자재를 사용하여 지어질 것이다.무뇨스는 "더 파크 호텔과 디자인 뭄바이를 위한 카페 콘셉트 협업을 제안받았을 때, 제 첫 본능은 트렌드 관점이 아닌 순환 관점에서 생각하는 것이었다"고 말했다."호텔은 변화하는 취향과 진화하는 기대에 반응한다"고 무뇨스는 말을 이었다. "호텔들은 몇 년마다 리퍼브를 하며 로비를 업데이트하고, 가구를 교체하며, 최신 상태를 유지하기 위해 미학을 새롭게 한다. 그 뒤에 남겨진 것은 거의 논의되지 않지만, 저는 바로 여기서 가장 큰 영감을 찾는다."하티 뮤즈 아틀리에도 이 페어에 참가한다무뇨스의 더 파크 호텔 카페와 더불어, 디자인 뭄바이는 대중을 위한 여러 휴식 공간도 제공할 것이다.소호 하우스(Soho House) 또한 뭄바이 멤버스 클럽을 반영하여 쇼에 편안한 레스토랑과 바를 만들었다. 이 팝업 공간은 브랜드의 시그니처 디자인 요소로 장식되어 있으며 칵테일과 음식을 제공한다.이 디자인 쇼는 또한 인테리어 스타일리스트 재스민 자베리(Jasmine Jhaveri)가 만든 '신진 디자이너 파빌리온(Emerging Designers Pavilion)'에서 스튜디오 아브라쉬, 와나스 디자인 아틀리에, 스튜디오 클레이, Trnkts3D 등 떠오르는 창작자들의 작품을 조명할 것이다.설치 작품과 함께, 디자인 뭄바이는 호주 건축가 협회(AIA)와 협력하여 개최되는 '디자인 뭄바이 익스체인지(Design Mumbai Exchange)' 콘퍼런스에서 주요 주제를 논의하기 위해 건축가, 디자이너, 업계 전문가 라인업을 환영한다.럭스 템포리스는 천상의 매달린 램프를 선보일 예정이다이머네이트 홈(Emanate Home)의 수석 디자이너 모니스 아메드(Monis Ahmed)는 "2024년에 시작한 특별한 여정을 바탕으로 올해 디자인 뭄바이에 다시 돌아오게 되어 매우 기쁘다"고 말했다."작년 에디션은 혁신과 창의성의 힘을 증명했으며, 우리는 디자인에 대한 열정으로 공간과 마음을 다시 한번 밝히기를 기대한다."스웨덴 브랜드 블로 스테이션을 포함하여 80개 이상의 브랜드가 이 행사에 참여한다방문객들은 여기에서 디자인 쇼 티켓을 등록할 수 있다.디자인 뭄바이에 대한 더 많은 정보는 인스타그램 계정에서 찾아보거나 웹사이트를 통해 뉴스레터를 구독하면 된다.사진 저작권: 디자인 뭄바이 (Design Mumbai)디자인 뭄바이 2025는 11월 26일부터 29일까지 뭄바이 전역의 다양한 장소에서 열린다. 전 세계에서 열리는 다른 전시, 설치, 강연에 대한 정보는 디진 이벤트 가이드에서 확인할 수 있다. ​​· 해당 게시물은 ​KIDP와의 협약을 통한 Dezeen 콘텐츠의 번역본입니다.· ChatGPT와 DeepL 번역기를 활용하여 번역되었으며 이로 인해 일부 문맥이나 표현이 원문과 다소 차이가 있을 수 있습니다.· 블로그, 개인 홈페이지 등외부 채널에 게재할 경우번역 유의사항과 함께반드시 출처를 밝혀주시기 바랍니다.

2025-09-18 23

MIT 학생들이 음식물 쓰레기를 생활용품으로 바꾸는 3D 프린터 개발 중

두 명의 MIT 학생이 인공지능을 사용하여 음식물 쓰레기를 컵 홀더나 작은 용기와 같은 물체로 변환하는 3D 프린터 프로토타입을 개발했다.일반적으로 콘크리트나 플라스틱 같은 재료를 사용하는 대부분의 3D 프린터와 달리, FOODres.AI는 과일 껍질, 커피 찌꺼기, 남은 밥 등 예상 밖의 재료로 작동한다.이 기계는 컴퓨터 비전을 사용하여 각 재료를 분석하고, 혼합물이 프린팅에 적합한 농도에 도달할 때까지 사용자를 안내한다.두 명의 MIT 학생이 음식물 쓰레기를 생활용품으로 바꾸는 3D 프린터를 개발하고 있다"만약 전분이 부족하면, 더 많은 전분을 추가하라고 요청할 것입니다."라고 동료 학생인 이칭 왕(Yiqing Wang)과 함께 프로토타입을 개발한 디자이너 비루 차오(Biru Cao)가 말했다.미국은 세계 어느 나라보다 더 많은 음식을 버린다. 이는 식품 사슬의 모든 단계에서 발생하지만, 연구에 따르면 특히 평균적인 미국 가정은 일주일에 평균 약 3에서 4.5파운드(약1.4~1.8kg)의 음식을 낭비한다.이는 미국인들이 구매한 음식의 30% 이상을 낭비한다는 것을 의미한다.이 기계는 AI를 활용하여 사용자가 안정적인 혼합물을 만들도록 돕는다많은 기업과 비영리 단체들이 재분배, 퇴비화 또는 업사이클링을 통해 원천에서부터 음식물 쓰레기를 줄이는 데 집중해왔지만, 차오는 남은 쓰레기에도 아직 개발되지 않은 잠재력이 있다고 믿는다.그녀는 디진(Dezeen)에​게"우리는 음식물 쓰레기를 더 의미 있는 것으로 바꿀 수 있습니다."라고 말했다.이 아이디어는 디자인과 디지털 제작 배경을 모두 가진 차오와 왕이 지역 식당에서 버려지는 많은 양의 음식을 발견했을 때 탄생했다."우리는 '우리가 유용한 무언가를 프린트하는 것이 가능할까?'라고 생각하기 시작했습니다."이 기계는 미리 정의된 형태를 만들 수 있다그들은 연구를 하는 동안 다른 디자이너들이 음식물 쓰레기를 원료로 실험하는 것을 발견했다.예를 들어, 네덜란드 디자이너 에릭 클라렌빅(Eric Klarenbeek)은 바이오프린팅 프로젝트에 조류와 다른 유기물을 사용했으며 이탈리아의 연구원들은 가구를 위한 타일 복합재를 만들기 위해 달걀 껍질로 실험했다.그러나 FOODres.AI는 오직 주거용 음식물 쓰레기에만 전념한다. 이 시스템은 두 개의 연결된 부분으로 구성된다: 재료를 갈아 페이스트로 만드는 믹서기와 3D 프린터이다. 끝에 있는 가열된 노즐은 재료가 압출될 때 부드럽게 만든다.이 프로토타입은 너무 익어 검게 변한 바나나, 굳은 빵, 약간 시들거나 흠집이 있는 채소 등 거의 모든 음식물 찌꺼기를 처리할 수 있다.견과류 껍질이나 섬유질이 많은 채소와 같은 단단한 재료는 처리하기 너무 어렵고, 눈에 보이는 곰팡이가 있는 것은 건강 및 안전상의 이유로 피해야 한다.현재로서는, 팀은 노즐을 완성하는 데 초점을 맞춘 부분적인 프로토타입을 제작했다. 차오는 이것이 기술적으로 가장 어려운 구성 요소라고 말했다. 현재 형태로 프린터는 달걀 홀더, 컵 홀더, 작은 용기와 같은 몇 가지 미리 정의된 항목만 생산할 수 있다.학생들의 다음 단계는 더 큰 디자인 유연성을 허용하는 기계의 완전한 버전을 개발하는 것이다.이 시스템은 노즐과 프린터를 포함한다"우리는 사람들이 자신의 3D 프린트를 업로드하고 커뮤니티와 공유할 수 있도록 온라인 플랫폼과 모바일 앱을 구축하고 싶습니다."라고 차오가 말했다.이 두 사람은 이 기계가 퇴비통처럼 가정의 필수품이 될 수 있는 미래를 상상한다. 요리 후, 사용자는 앱으로 음식물 찌꺼기를 스캔할 수 있고, 앱은 프린트 가능한 재료를 식별하고 필요한 양을 계산할 것이다.그런 다음 찌꺼기는 믹서에 갈리고, 프린터에 로드되어 과일 그릇, 문 버팀쇠 또는 다른 작고 기능적인 물체로 변형될 것이다.AI를 주방에 도입하는 다른 프로젝트로는 남은 음식을 기반으로 레시피를 생성하는 장치가 있다.​ ​​· 해당 게시물은 ​KIDP와의 협약을 통한 Dezeen 콘텐츠의 번역본입니다.· ChatGPT와 DeepL 번역기를 활용하여 번역되었으며 이로 인해 일부 문맥이나 표현이 원문과 다소 차이가 있을 수 있습니다.· 블로그, 개인 홈페이지 등외부 채널에 게재할 경우번역 유의사항과 함께반드시 출처를 밝혀주시기 바랍니다.

2025-09-18 37

가중치 활용해 식물의 '끊임없는 변화'를 보여주는 틸트 화분

센트럴 세인트 마틴 졸업생 도리스 쉬(Doris Xu)가 식물이 물을 흡수함에 따라 좌우로 움직이는 가중치 화분을 제작하여, 사용자가 식물의 성장 리듬을 관찰할 수 있도록 했다.쉬는 센트럴 세인트 마틴의 제품 및 산업 디자인 과정을 졸업했으며, 도시 거주 식물 소유주와 자연 사이에서 관찰한 단절감에 대응하여 '틸트(Tilt)'를 개발했다.그녀는 디진(Dezeen)과의 인터뷰에서 "실내 식물을 순전히 정적이고 장식적인 대상으로 보기보다는, 이러한 끊임없는 변화를 반영할 수 있는 화분을 만들어 식물이 사실 살아있고 계속해서 성장한다는 사실을 강조하고 싶었다"고 말했다.도리스 쉬가 디자인한 틸트 화분단 두 가지 재료로 만들어진 이 화분은 한쪽 끝에 구멍이 뚫린 곡선형 알루미늄 판으로 구성되어 있으며, 그 안에는 사용자가 선택한 식물을 놓을 수 있는 테라코타 화분이 놓여 있다.쉬는 "화분 디자인이 식물 자체와 그 성장에 방해가 되지 않기를 바랐기 때문에 미니멀한 미학을 추구했다"고 설명했다."테라코타는 화분의 전통적인 재료이며 그 다공성 특성 덕분에 공기와 습기가 화분을 통과할 수 있어 식물 성장에 이롭다. 알루미늄은 테라코타의 멋진 주황색 광택 일부를 반사할 수도 있다."화분의 중앙 막대에는 다양한 크기의 추를 놓을 수 있다화분과 함께 각각 다른 크기의 구형 추 세 개가 제공된다. 사용자는 식물의 규모에 적합한 추를 선택하여 화분 중앙을 가로지르는 막대에 걸어 화분이 똑바로 서게 한다.식물에 공급된 물이 결국 흡수되면 화분과 그 내용물이 가벼워져 추가 있는 쪽으로 기울어지게 되며, 이는 사용자에게 다시 물을 주어야 한다는 것을 나타낸다.식물에 다시 물을 주면 전체 과정이 반복된다. 식물이 결국 자라서 더 커지면 사용자는 더 무거운 추로 교체해야 한다.쉬는 "촉감 때문에 추를 사용하고 싶었다. 손에 쥘 수 있다는 것은 식물이 얼마나 자랐는지 물리적으로 느낄 수 있다는 것을 의미한다"며, "추는 또한 식물의 성장 과정을 시각화하는 도구가 된다"고 말했다.식물이 물을 흡수하고 화분이 가벼워지면, 무게로 인해 화분이 기울어집니다.틸트는 사람들이 식물 및 녹지 공간과 상호 작용하는 방식을 개선하기 위해 고안된 장치들이 늘어나는 추세에 합류한다.올해 초, 슬로베니아의 기술 회사 버드 버디(Bird Buddy)는 사람들의 뒷마당에서 곤충과 새의 움직임을 기록한 다음, 이를 내레이션이 있는 "BBC Earth 스타일"의 미니 다큐멘터리로 만드는 AI 기반 카메라를 출시했다.미국 스튜디오 모스(Moss) 또한 사용자가 사전 원예 경험이 없더라도 실내에서 다양한 식물을 쉽게 재배할 수 있도록 하는 자동 급수 화분과 인접한 램프를 제작했다.​ ​​· 해당 게시물은 ​KIDP와의 협약을 통한 Dezeen 콘텐츠의 번역본입니다.· ChatGPT와 DeepL 번역기를 활용하여 번역되었으며 이로 인해 일부 문맥이나 표현이 원문과 다소 차이가 있을 수 있습니다.· 블로그, 개인 홈페이지 등외부 채널에 게재할 경우번역 유의사항과 함께반드시 출처를 밝혀주시기 바랍니다.

2025-09-18 20

현대(Hyundai), 콘셉트 3로 "소형 EV를 원점에서부터 재고하다"

대한민국의 자동차 제조업체 현대가 유럽 도시에서의 주행을 위해 특별히 설계된 소형 EV 콘셉트를 공개했다. 그 유려한 형태는 강철의 특성에 의해 결정되었다.제조사의 전기차 서브 브랜드 아이오닉(Ioniq)으로 출시된 콘셉트 3(Concept Three)은 지난 9일 뮌헨에서 열린 IAA 모빌리티 2025 모터쇼에서 전 세계에 첫선을 보인다.현대 아이오닉 콘셉트 3은 유럽의 소형 EV 수요 증가에 대한 대응이다길이가 4.3미터에 약간 못 미치는 이 차량은 아이오닉 패밀리의 첫 번째 소형 전기차(EV)이며, 이 패밀리에는 중형인 아이오닉 5, 세단인 아이오닉 6, 그리고 최근 출시된 대형 SUV인 아이오닉 9도 포함된다.현대차는 이 콘셉트가 "디자인 혁신의 다음 장을 위한 분위기를 조성할 것"이며, "새로운 차량 카테고리로의 미래 확장"을 시사한다고 말했다.현대 디자인 책임자 사이먼 로스비는 이 콘셉트가 양산을 위해 80퍼센트 준비되었다고 설명했다회사는 "도시화, 지속 가능성 규제, 그리고 공간 효율적인 솔루션에 대한 필요성 증가로 인해 유럽이 소형 EV에 대한 급증하는 수요를 경험하고 있는 가운데, 콘셉트 쓰리는 현대자동차가 첨단 전동화 역량을 활용하여 이 수요를 충족시키려는 비전을 보여준다"고 말했다.이 콘셉트의 등장은, 제조업체들이 이윤을 보호하고자 대형차에 크게 집중하게 된 EV 디자인의 새로운 방향을 시사할 수 있다.이 차는 스포티한 해치백 프로필을 가지고 있다지난주 언론 사전 공개 행사에서 현대디자인센터장 사이먼 로스비(Simon Loasby)는 기자들에게 콘셉트 쓰리가 양산 준비까지 "80퍼센트" 와 있다고 말했다.이 차의 형태는 현대가 "강철의 미학(the Art of Steel)"이라 부르는 것에서 비롯되었다. 이는 강철의 고유한 굽힘 경향을 다루려는 디자인 기법으로, 2024년 말에 공개된 이니티움(Initium) 콘셉트에서 처음 선보였으며, 부분적으로는 회사의 첨단 철강 기술을 과시하기 위해 고안되었다.노란색 유리와 휠 허브가 아노다이징 효과를 낸 강철 차체와 대조를 이룬다그 효과를 강조하기 위해, 강판들은 깔끔하게 조립되었고 텅스텐 그레이 색상의 아노다이징 효과로 마감되었다.회색 도장과 대조를 이루는 것은 레몬 옐로우 색상의 휠 허브와 유리이며, 이는 창문뿐만 아니라 덕테일 스포일러에도 사용되었다.역동적인 루프라인 및 수직 테일게이트와 결합된 스포일러는 현대가 "에어로 해치(Aero Hatch)"라고 설명하는 차량의 스포티한 해치백 구성에 기여하며, 이는 공기역학적 프로필과 넉넉한 실내 공간의 균형을 맞추기 위해 의도되었다.현대의 디자이너들은 종이 조각을 사용하여 차의 기본 형태를 고안했다로스비에 따르면, 이 차의 기본 형태는 처음에 종이 조각의 형태로 개발되었다.로스비는 "콘셉트 쓰리를 디자인하는 것은 우리에게 소형 EV를 원점에서부터 재고할 기회였다"고 말했다.그는 "우리는 흐름의 감각을 포착하고 아름다운 비율의 조각품이 되는 실루엣을 만들기 위해 '에어로 해치' 유형을 정의했다"고 덧붙였다.현대의 시그니처인 픽셀 라이트가 두드러진 특징이다현대의 최근 출시된 모든 차량과 마찬가지로, 콘셉트 쓰리는 픽셀 라이트를 특징으로 하지만, 초박형 헤드라이트와 전면 그릴의 픽셀 라이트 디스플레이로 그 아이디어를 더욱 발전시킨다.두 개의 소형 픽셀 스크린 또한 사이드 뷰 카메라 근처에 위치하며, 도어 창문을 통해 밖을 향하고 있다.차량 내부에서는 회색과 노란색의 색상 조합이 계속되며, 회색의 식물성 태닝 가죽과 해양 폐기물 직물은, 현대가 버터 같은 문빔 코레옵시스(Moonbeam coreopsis)​ 꽃에서 영감을 받았다고 말하는 색조의 재활용 알루미늄 파우더 페인트와 병치된다.미스터 픽스라는 만화 캐릭터가 차 안 여러 곳에 등장한다도어와 대시보드는 끝부분이 보이도록 마감된 가벼운 알루미늄 폼으로 채워져 있으며, 도어, 대시보드, 중앙 콘솔의 부드러운 라일락 색상 조명이 회색과 노란색을 가로지른다.운전자의 시선을 최대한 도로에 고정시키기 위해, 콘셉트 쓰리는 터치스크린 대시보드를 피하고, 스티어링 휠 주변에 배열된 일련의 위젯(widgets)을 선호한다. 이는 모듈식이며 사용자 맞춤 설정이 가능할 것이다.차량 곳곳에는, 현대 디자이너들이 유쾌함과 개성을 불어넣으려는 시도에서 고안한 만화 캐릭터 '미스터 픽스(Mr Pix)'가 점점이 박혀 있다.비슷한 주제로, 차량 주변의 메시지에는 운전석과 조수석에 각각 "Troublemaker(말썽꾸러기)"와 "Thrillseeker(스릴을 즐기는 사람)"라는 단어가 새겨져 있다.역사적으로 작고 저렴한 차를 생산하는 것으로 알려진 현대는, 전동화로의 전환을 활용하여 더 모험적인 디자인 접근 방식을 채택함으로써 브랜드를 재포지셔닝하고 있다.이 차는 스포티한 미학을 유지하면서 실내 공간을 극대화하는 것을 목표로 형태가 만들어졌다회사는 IAA 모빌리티를 위해 뮌헨 시내 중심에 폭 58미터, 높이 7미터의 부스를 세웠으며, 이 부스에서는 차량의 특징적인 픽셀 헤드라이트를 참조하는 대형 유리 큐브 안에 콘셉트 쓰리를 포함한 7대의 EV를 전시할 것이다.이번 주 쇼에는 50만 명 이상의 방문객이 참석할 것으로 예상된다.회사는 2030년까지 21개의 EV 모델을 출시할 계획이며, 2027년까지 유럽 내 모든 차량의 전동화 버전을 포함하고, 대륙 내 공장을 재생 에너지로 전환할 계획이다.이미지 저작권: 현대(Hyundai)​​ ​​· 해당 게시물은 ​KIDP와의 협약을 통한 Dezeen 콘텐츠의 번역본입니다.· ChatGPT와 DeepL 번역기를 활용하여 번역되었으며 이로 인해 일부 문맥이나 표현이 원문과 다소 차이가 있을 수 있습니다.· 블로그, 개인 홈페이지 등외부 채널에 게재할 경우번역 유의사항과 함께반드시 출처를 밝혀주시기 바랍니다.

2025-09-12 64